¡¿Dónde está mi otra mitad?!
por María de los Ángeles Sanz
En el segundo ciclo de Teatro Uruguayo semimontado en Buenos Aires, que se lleva adelante en el Teatro de la Comedia se presenta desde enero de este año la pieza de Angie Oña, Éter Retornable (2008). El ciclo cuenta además con otras tres producciones: El Disparo (2006) de Estela Golovchenko; Decir Adiós (1979) de Alberto Paredes y El estado del alma (2002) de Alvaro Ahunchaín. La característica de teatro semimontado da la posibilidad de ver aquellas fisuras que puedan ser suturadas a la hora de una puesta total, y presenta un desafío para los actores y la dirección. La idea de un ciclo en Buenos Aires surgió tras la promesa de Begérez a algunos compañeros de El Galpón (1a) de no perder el contacto con ellos, realizando proyectos que unieran ambas márgenes en la voluntad de hacer teatro; una comunicación que desde los inicios del teatro Rioplantense se sigue fortaleciendo. El director seleccionó obras y actores con el criterio “que cada autor representara una generación diferente”; y ante una dramaturgia uruguaya “muy sólida y variada” se vio exigido a realizar una investigación sobre las últimas producciones. Los actores fueron convocados entre sus compañeros de El Galpón, algunos actores independientes de una trayectoria interesante pero alejada de los medios institucionales y también actores uruguayos que hace tiempo están radicados en Buenos Aires, y desarrollan su actividad en el campo teatral porteño, como Ita Zaldumbide y Piero Anselmi. Desde la perspectiva de la recepción este segundo ciclo tuvo mayor apoyo y difusión de medios y espectadores; si bien factores ajenos al trabajo teatral influyeron el año pasado en la concreción del ciclo, la famosa gripe A que asoló la ciudad, y convirtió las salas en un espacio desierto; Begérez afirma “que el primer el primer ciclo sirvió para difundir la idea y para cambiar el esquema y mejorar algunos puntos”, en esta oportunidad todo se desarrolló con felicidad y la sorpresa fue confirmar que el público era mayoritariamente argentino. El resultado de este buen trabajo y de la respuesta del medio, -hubo que agregar funciones-, la cálida disposición del espacio donde el ciclo se desarrolló, El Teatro de La Comedia, hicieron que ya esté proyectado para el próximo año una tercera etapa de puestas a partir de enero. Esta vez el ciclo está dedicado al maestro Berto Fontana, que cumplirá 85 años el próximo 25 de mayo, artista declarado Ciudadano Ilustre de Montevideo, actor, vendedor de tabaco, interpretador de casi todos los clásicos nacionales y universales escritos, investigador y educador de la voz que trabaja “el sonido como acontecimiento fundamental del ser humano”.
Es en este interesante marco que la pieza de Oña trabaja desde los procedimientos de una comedia absurda una temática que ahonda en la conflictividad de las relaciones de pareja pero con una mirada abarcadora hacia la necesidad de otro mundo posible; si descubrimos para que permanecemos en él. El sentir sólo lo inaprensible de la vida, hace que todo lo que la vida encierra se convierta en nada, de este nihilismo surge el malestar, y una relación humana que camina entre el odio y el amor, la indiferencia y la necesidad. Si la vida transcurre en la fina línea entre la mediocridad y la grandeza, los personajes de Angie Oña, sienten que viven siempre inmersos en el lado equivocado. No hay grandezas en su matrimonio, los hijos son un accidente, y lo que siente tiene la inestabilidad de los planetas. Sin embargo, permanecen juntos porque de todas formas a la nada hay que llenarla con algo más que el vacío existencial. Expresado de esta manera, el texto de la autora uruguaya, podría ser sólo otra pieza más del absurdo nihilista tan desarrollado en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, pero lo que la hace diferente son las pinceladas de humor negro, negrísimo por momentos como los apagones, tres, que estructuran hacia el final la intriga, con un continente y un contenido uruguayo inconfundible, que desató la risa durante toda la puesta. La puesta en abismo que desata la ya tan vapuleada relación familiar, para la autora no tiene como razón de su deterioro paulatino sólo las complicaciones cotidianas, sino fundamentalmente los interrogantes que la humanidad se hace desde siempre; la eternidad de un camino seguro hacia la muerte, sembrado de agujeros e incertidumbres. Las muy buenas actuaciones de Julieta Bottino (2) y Piero Anselmi (3), que rompiendo la cuarta pared nos ingresan desde la platea en el conflicto, hacen de un texto duro e inquietante, que el espectador pase de la ternura que a veces desatan sus criaturas, a la risa por lo absurdo y bien logrados de sus diálogos, para finalmente acompañar los avatares de una ruptura con un silencio cómplice, donde más de uno siente que las preguntas sin respuestas, y el desgaste de toda comunicación humana, no es un acontecimiento ajeno. La dirección de Gerardo Begérez (4) utiliza con inteligencia las potencialidades del texto y de sus actores, y logra los efectos expuestos con procedimientos sencillos, y un buen uso de la iluminación. La propuesta de un ciclo de teatro uruguayo en Buenos Aires, es una excelente idea que nos permite acercarnos aún más a dolores y carencias que no reconocen fronteras.
Datos extraídos de una entrevista realizada a Gerardo Begérez en el transcurso del ciclo.
(1) Angie Oña es actriz, directora, dramaturga y docente nacida en Montevideo, Uruguay. Egresada de la Escuela Municipal de Arte Dramático Margarita Xirgu. Sus obras son: El auto feo (1999); Fgegue Yake Corso (1999); Criminal (2003 ); Afuera hay lugar (2004); Los tristes (2006); Éter retornable (2008). Recibió los siguientes premios: 2006: Fue ganadora de la beca Luis Cerminara otorgada a jóvenes creadores por la IMM.2008: Éter retornable Premio de Dramaturgia Dos en escena otorgado por el Centro Cultural de España 2004; también obtuvo por El auto feo el Premio Florencio Revelación como dramaturga, directora y actriz 2004; y por Corso Criminal fue premiada en el Encuentro de Teatro Joven organizado por la IMM 2003; El auto feo Premiada en el Encuentro de Teatro Joven organizado por la IMM, obteniendo además mención especial a la dramaturgia y la actuación.
(1a) El Galpón es una institución teatral uruguaya fundada el 2 de septiembre de 1949 a partir de la unión de dos instituciones teatrales: La Isla, dirigida por Atahualpa del Cioppo y el elenco del Teatro del Pueblo. Después de dos años de trabajo conjunto lograron inaugurar una sala de espectáculos para 150 personas en una antigua caballeriza convertida en un galpón de la Barraca Zunino, en la esquina de las calles Mercedes y Carlos Roxlo de la ciudad de Montevideo. Allí nace la sala de El Galpón. Fue una de las primeras instituciones teatrales independientes en contar con una sala propia. Una importante parte de la historia del teatro independiente del Uruguay está ligada a la historia de El Galpón. Estrenaron casi todo Bertolt Brecht, donde obtuvieron éxitos importantes como con La ópera de dos centavos, El círculo de tiza caucasiano que fue llevada a con tal éxito que se trasmitió vivo una de sus funciones. Desde sus comienzos El Galpón tuvo su Escuela de Arte Escénico, lo que le facilitaba incrementar y formar a sus futuros elencos; tuvo un elenco dedicado a los títeres, un seminario de autores nacionales que permitió estrenar a Juan Carlos Legido o Mauricio Rosencof, entre otros autores. Mantuvo una política de extensión cultural que consistía en ofrecer funciones a escuelas, liceos, sindicatos, etc. como una forma de llevar el teatro a quienes no eran espectadores teatrales.
(2) Julieta Bottino se formó, entre otros, con los docentes: Ariel Bonomi, Eduardo Pavelic, Julio Ordano y Diego Cazabat. Desde el 2007 cursa talleres y seminarios en el CELCIT con Juan Carlos Gené y Verónica Oddó. También participa como actriz en los cursos de Dirección y Puesta en escena, dictados por J.C. Gené. Trabajó como actriz en las siguientes obras: “El Pretendiente”, de Andrés Granier, Teatro Corrientes Azul (2008); “El jardín de los cerezos”, de Anton Chéjov, dirigida por Hugo Alvarez, en el Teatro Corrientes Azul (2007); “Los Noronha”, de Nelson Rodríguez, dirigida por Hugo de Bernardi, en el teatro El astrolabio teatro (2005-2006). Participó como asistente de producción en el Ciclo 9 autores, desarrollado en el Teatro Nacional Cervantes, durante el 2003. Actualmente es la productora ejecutiva de En alta mar, de S. Mrözek, con dirección de Mariana Díaz, en el teatro La Tertulia. Estrena en febrero “Tengo Miedo Torero” una puesta en escena de G Begérez.
(3) Piero Anselmi Reside desde hace unos años en Buenos Aires. En Uruguay realizó estudios con Ricardo Beiro, Carlos Aguilera, talleres con Lazzo, E Grasso. En Buenos Aires estudia con el Maestro Raúl Serrano, egresa de su escuela y lo asiste hasta la fecha en su teatro Del Artefacto. Es docente de segundo nivel en la Escuela de Teatro de Buenos Aires. Dirige “Ivanov” en teatro Del Artefacto y participa como actor en varios montajes en Buenos Aires.
(4) Gerardo Begérez uruguayo. Actor, Director y Gestor. Formado en Teatro El Galpón de Montevideo y ha sido miembro de su elenco por varios años. Ha actuado en más de veinte espectáculos y dirigido otros cuatro. Egresado de la Escuela Mario Galup de Teatro El Galpón, tuvo como Maestros a María Azambuya, Nelly Goitiño, Dervy Vilas, Roberto Fontana, Roger Mirza, César Campodónico, entre otros. En Buenos Aires ha asistido a clases con Ricardo Bartís y en Dirección y Puesta en escena con Juan Carlos Gené del CELCIT. Como Actor el pasado año trabajó en “Un Hombre es un Hombre”, de Bertolt Brecht. Espectáculo nominado a cuatro premios Florencio y ganador de un Florencio al mejor elenco. Dentro de El Galpón trabajó como actor en “Galileo Galilei” de B Brecht, “Platonov” de Chéjov, “Jetattore” de Laferrere, “El Nuevo” de Falconi, “Casiperro” de G. Montes, “El Organito” de Discépolo, “Terrores y Miserias del Tercer Raich” de B. Brecht, “El estado del alma” de Ahunchaín, entre otros. También dentro de El Galpón dirigió “La tercera parte del Mar” de Tantanian y “Mi pequeño Mundo Porno” de G. Calderón (semimontaje). Como Gestor Cultural trabajó durante siete años dentro del Departamento de Extensión Cultural de Teatro El Galpón, armando proyectos, coordinando giras nacionales e internacionales, planificando funciones en las salas para niños y jóvenes. Miembro integrante de la Comisión Artística de Teatro El Galpón, electo por Asamblea. Órgano que tiene como cometido elegir el repertorio para cada sala, armar los repartos, elegir directores y proyectos artísticos. Seleccionado como expositor del II y III Coloquio Internacional de Teatro organizado por la Facultad de Letras. Este año estrenó una nueva versión de la obra del argentino A Tantanian “La tercera parte del mar” esta vez en Buenos Aires, Teatro Abasto social Club. En cine: ha participado en varios cortometrajes y este año actúa en la película "El cuarto de Leo" en un rol coprotagónico, una producción uruguayo-argentina. En vacaciones de invierno protagonizó en Buenos Aires un musical para niños en el Teatro La Trastienda junto al músico Ruben Rada. Actualmente está ensayando una versión de la novela del polémico escritor chileno Pedro Lemebel (“Tengo miedo Torero”) a estrenarse en Buenos Aires a mediados de febrero en el teatro La Comedia. A su vez ensaya “Reglas, usos y costumbres de la sociedad moderna” de Jean Luc Lagarce; un unipersonal que dirige el español Ernesto Calvo cuyo estreno será en Valladolid, España; en el mes de abril.
Pocas veces un texto encuentra como la sincronía de una maquinaria de relojería, el actor o la actriz que expresen con la fuerza necesaria las múltiples interpretaciones que encierra. Si esa textualidad es además un monólogo, el desafío es mayor. Pilar Lourenc (2), con su sólo cuerpo por más de una hora, lleva adelante todos los matices de una escritura dura, de una densidad agobiante, que le exige pero también le permite desplegar todos los recursos posibles para darle a las palabras la profundidad que requieren. En la sordidez de un espacio cargado de interrogantes, rodeada de cajas y papeles, el espectador asiste a la presencia extraña y desconcertante de este personaje que pide, exige y a veces pareciera rogar ser reconocida como un ser sensible capaz de dar y recibir amor. “Un personaje. Un cuerpo atravesado por una o infinitas historias corrientes”, como dice el programa de mano, que nos interpela directamente como voyeur cómplice de esa trama siniestra. Un único personaje que estalla por la complejidad estética del texto, texto que nos es “arrojado” con total profesionalismo. La entonación es parte de la corporalidad puesta en escena, porque tiene que ver tanto con el enunciado como con la enunciación; no existen tiempos muertos, porque el silencio no es ausencia de palabras, sino que es un silencio alienado y alienante. Este monólogo dramático no sólo derriba la cuarta pared,sino que requiere una mayor “comunión” entre el actor y el público. La gestualidad, el efecto de la mirada que mantiene al espectador en un mutismo expectante, produce todos los climas posibles, desde el enigma hasta el temor de descubrir por fin quien es esta funcionaria, y cuál es su tarea. Pilar a partir del adecuado manejo de su voz y de su cuerpo construye el personaje de la ley, el saber está en su poder y con esa mirada –que por momentos nos resulta agresiva- nos induce a seguirla por su mundo sinuoso. Una mujer con más de 16 años de servicios que nos se regala a “ninguna pulseada” y recuerda especialmente a Sol, pero también Ángeles la de rulitos, a Miriam que era un lechón, a Jessica desnutrida…, una mirada patética sobre una realidad que no es ajena a nuestra sociedad. El uso de la pantalla que marca el pasar de las horas, el transcurrir del tiempo, de un tiempo donde el rencor va creciendo ante lo que el personaje considera una injusticia, produce las elipsis que el texto necesita para dar respiro a una intriga que no cesa de golpear al público. El uso de la luz, y el sonido, todo apoya la presencia de la actriz, que no cesa de sorprender con su pregnancia en escena. Fragmentos, instantes de su vida, se unen en ese sótano siniestro donde el personaje se ha construido a sí mismo, donde para sobrevivir se ha inventado una forma, una manera de ser, impermeable, cínica, que le permita permanecer acechada por nuevas formas, nuevas maneras, que finalmente sabe, tomarán su lugar. Y por fin las palabras, las dichas y las silenciadas, las que recuerdan otras voces, otros discursos, tan inquietantes como estos, tan cercanos, tan tristemente cercanos… El Nobel del amor,es un texto que ha conjugado en la dirección de Alejandro Po (3), a través del cuerpo de Pilar Lourenco, una puesta que pone en relieve los valores de la escritura de Mariana Rodrigo, produciendo el efecto requerido por la misma, que logra armonizar recursos, y provoca vértigos.
Hay historias que viven en el imaginario social, a pesar de que la mayoría las niega con la Ley del Punto Final, la ley del olvido obligatorio, aludiendo a la necesidad de seguir como la mujer de Lot sin mirar hacia atrás. Sin embargo, las historias siguen tejiéndose en el aire hasta que alguien las convierte en voz y comienza a narrarlas. Yoska Lázaro construye a partir del plan de Osvaldo Bayer (1), un texto fragmentado, lleno de huecos negros, que el espectador va llenando de a poco, sintiendo sobre sí mismo el peso de tanto silencio. Dos personajes, regresan a tratar de construir lo que ha quedado destruido por la violencia, y un tercero sin lograrlo intenta desde la fuerza de su sola presencia volver a una realidad dolorosa a los otros dos. Gabriela Blanco, tiene la difícil tarea que da expresarse casi desde el no discurso, utilizando todos los matices posibles de la gestualidad, manejando con inteligencia y sensibilidad los silencios, mientras Yamil Chapad y Fernando García Valle ponen en juego, no sólo el discurso y la gestualidad sino un trabajo corporal que acompaña la palabra y la resignifica. Los tres se mueven en un espacio de oscuridad, que es muy bien utilizado por la dirección, donde cada lugar agrega una clave para develar la situación de los personajes. La creencia en la fuerza de la palabra de toda una generación de intelectuales, queda esclarecida en la pertinaz insistencia de Eduardo (Fernando) de convencer a Mario (Yamil) de seguir con el ensayo de la obra para niños que construirá un futuro mejor. Ciego a la invalidez de una propuesta suicida, sordo a los ruegos de su hermana Cristina (Gabriela) y a la evidencia de la muerte de un compañero, Luis; el personaje insiste en su propósito hasta que el destino de muchos, se hace carne en él mismo y en Mario. La intrusión de los dos personajes, miembros de los Grupos de Tarea, encarnados en Ariel Hernán Pérez y Diego Santos; ejercen con su violencia, la irrupción de la realidad no comprendida, y atraviesa el cuerpo del espectador que se siente violentado como los personajes, inerme ante la furia contenida. La ruptura de la cuarta pared, en el momento que el Grupo de Tarea pide a la platea que se pongan en fila y entreguen documentos, a muchos nos llevó como en una espiral de tormenta hacia una historia dolorosa e inconclusa. El público forma un grupo heterogéneo, que seguramente vivenció de manera diversa la tensión dramática y recuperó los vacíos de la intriga desde ópticas diferentes, pero que no pudo ser indiferente a la conmoción de la violencia sobre el pensamiento, de la muerte sobre la vida. La puesta de Los errores de Noé aúna la calidad estética con la necesidad de la memoria activa sobre un pasado no tan lejano, y más aún porque vive en el aire que respiramos cotidianamente a través de sus consecuencias. Una memoria, necesaria, ejemplificadora cuya dimensión como afirma Todorov es pública, y permite convertir al pasado en lección (2) . 
Esta toma de posición, este lugar que ocupa junto con el resto de profesionales trasciende el mundo ficcional. El silencio, la tensión, la alienación, que experimentamos como público en la sala teatral, nos acompañó y nos perturbó más allá del tiempo real de la obra. Nos quedó a flor de piel el insistente el temor a “las ratas”, siniestra metáfora de los represores. Tanto como espectadores como testigos de esos dolorosos años, intentamos “coser”, como el personaje, esos retazos del pasado, esos agujeros oscuros de nuestra memoria colectiva. La obra logra recuperar nuestra memoria histórica, porque los sistemas significantes confluyen y los límites se contaminan: la sala resulta opresiva y claustrofóbica según requiere esta propuesta estética; la corporalidad puesta en escena –por la tematica y por el espacio real acotado- que nos compromete; la importancia de lo “no visto” en la extraescena. Actor-espectador, ficción-realidad, vida-muerte, son las dos caras de nuestra cotidianidad. 
